La légendaire énergie scénique de Cali fait des ravages à chaque nouvelle tournée ! La sortie en 2015 du tout nouvel album de Cali sera l’occasion d’un retour à Luxembourg. Sa pop rock plutôt acoustique lorgne du côté de Louise Attaque ou Miossec. Sa façon de regarder ce qui se passe autour de lui, de scruter son quotidien et le nôtre n’est pas sans rappeler non plus Jean-Louis Murat. Référence à laquelle s’ajoute une ressemblance physique troublante. Mais Cali n’est pas qu’un écorché écorcheur, c’est aussi un amoureux et un amoureux de l’amour.
Ses sujets de prédilections sont inépuisables…

Pour beaucoup, Yannick Noah, est « l’entertainer », le chanteur qui répand la gaité et la bonne humeur partout où il passe et qui transmet sa joie de vivre lors de ses concerts, même si certaines de ses chansons ne sont pas dépourvues de messages comme Aux arbres citoyens ou Angela. Mais c’est aussi le citoyen engagé qui soutient voire cogère des associations caritatives et qui à l’occasion prendra toujours position pour la tolérance, contre le racisme et l’exclusion.

Hormis les sujets des nouvelles chansons, l’ambiance musicale évolue aussi vers la pop et le rock et le groove naturel du chanteur s’y adapte très bien.

BASTILLE – WU-TANG CLAN – GRAMATIK – SKIP THE USE – KATE TEMPEST – MARMOZETS – DOTAN –

MUTINY ON THE BOUNTY – THE DISLIKED – ICE IN MY EYES – THE TAME & THE WILD – FOX

D’autres noms sont encore à venir !

Ce qui est aussi nouveau cette année c’est la possibilité de personnaliser son ticket en fonction des jours auxquels vous souhaitez participer :

3-jours, Vendredi-Samedi, Vendredi-Dimanche, Samedi-Dimanche ou 1 seul jour…

Les tickets sont en vente dès maintenant sur www.rockafield.lu.

Voilà l’affiche complétée à ce jour :

Depuis le début des années 2000, développant désormais ses propres compositions avec le soutien d’un batteur (et de différents invités au chant), Apocalyptica remporte un succès considérable en France. Ils seront de retour en Europe à partir d’octobre 2015.

Disponible courant avril, Shadowmaker sera le 8ème album studio d’Apocalyptica. Il s’agit du premier disque enregistré avec le chanteur américain Franky Perez (Scars On Broadway, Slash). Mikko Sirén, le batteur au milieu des violoncelles, nous a parlé de cet album.

Bonjour Mikko ! J’ai lu dans votre biographie que vous avez pris plus de temps pour écrire ce nouvel album. Aviez-vous besoin de ce recul ?
Bonjour Nathalie ! Oui, absolument. Nous avions passé des années très intenses à faire des tournées. En y réfléchissant, nous avons quasiment passé 16 ans à écrire et à faire des tournées. Il était temps de se poser un peu et de réfléchir à où nous voulions aller et qu’est-ce que nous voulions faire. Quand on a commencé à penser à cet album, on venait de rentrer de Chine après notre tournée pour l’album Wagner Reloaded et déjà cet album montrait bien que nous aspirions à autre chose. Les albums avant Wagner sont quelque part connectés entre eux. J’avais l’impression qu’on se répétait. Wagner est arrivé comme une bouffée d’oxygène et nous a permis de nous retrouver, mais surtout de nous poser les bonnes questions.

Concrètement, que s’est-il passé avec la tournée Wagner ?
Quand on est revenu, on était libre. Nous n’avions plus de label, plus de maison de disque et il n’y avait plus personne pour nous dire ce que nous devions faire. C’était la liberté totale. Nous venions de passer plusieurs mois sur la route avec un album instrumental et là au retour, on s’est senti, comme si nous nous étions totalement libérés de notre passé. Ce n’était pas simple car nous sommes partis avec un grand orchestre et c’était vraiment sympa d’être sur la route avec eux. Cela a rendu le retour à la réalité pas très évident, mais on s’est dit que c’était une occasion pour changer notre manière de faire pour le prochain album.

Fais-tu référence au fait que vous n’ayez qu’un seul chanteur sur cet album ?
Oui. Nous avions besoin d’un nouveau challenge et nous voulions concevoir un album qui représenterait une seule et même entité en soit. Nous avons toujours eu l’habitude d’inviter des chanteurs « guests » sur nos albums mais cela rendait souvent l’organisation de la tournée par la suite très compliquée, comme tous les chanteurs n’étaient pas toujours disponibles en même temps. Pour nous, c’est une très grande étape de chercher un seul chanteur.

Comment l’avez-vous trouvé ? Avez-vous fait passer des auditions ?
Non, je pense que cela aurait été la mort d’Apocalyptica ! Nous en avons parlé autour de nous et on nous a fait écouter pas mal d’enregistrements et de vidéos. Ce n’était pas simple car, forcément, beaucoup de très bons chanteurs sont bookés longtemps à l’avance. Au départ nous avions sélectionné 20 chanteurs, puis nous avons réduit la liste à 5, puis à 3. Nous avons choisi Franky après un coup de fil sur Skype. Nous avons eu beaucoup de chance, car en plus d’être le meilleur chanteur qu’on ait entendu, il est aussi quelqu’un d’adorable et avec qui on va sûrement passer de bons moments en tournée. On le respecte énormément, car il a fait de la musique toute sa vie.

L’idée de départ était d’enregistrer avec un seul chanteur mais aussi de l’emmener ensuite en tournée avec vous ?
Oui, c’était l’idée. Les chanteurs invités nous ont apporté beaucoup de choses, mais il n’y a jamais eu de lien très fort pendant les tournées. Nous répétions chacun de notre côté et on se retrouvait que sur scène finalement. Ici les répétitions se font avec Franky et cela rend les choses totalement différentes. J’ai véritablement l’impression que cet album est un album d’un seul et même groupe, et cela se reflétera sur nos concerts lors de la tournée. Franky a imposé son style et sa signature vocal sur les arrangements.

Votre biographie parle aussi du « core of the band » (ndlr : cœur du groupe). Quel est-il et est-ce que Nick Raskulinecz, le producteur de cet album et des Foo Fighters ou Mastodon avant vous, vous a permis de le trouver ?

On a fini par l’apercevoir justement au moment où on a décidé de se poser et composer Shadowmaker. C’était un moment très créatif de notre carrière. On a pas mal expérimenté et on a même composé des morceaux de 11 minutes. Nous étions dans les studios de Nick Raskulinecz à Nashville et certains morceaux ont un air classique des Eagles. Cette fois-ci nous étions beaucoup mieux préparés pour l’enregistrement que les fois précédentes. Nous avons passé beaucoup de temps à répéter et à répéter encore, ce qui fait que nous savions exactement comment les chansons devaient être au final. Nick nous a beaucoup aidés à ce niveau-là.

Peut-on parler de la couverture de l’album et que représente-elle pour toi ?
Très tôt, nous voulions une couverture très claire, car la plupart des albums de métal sont très noires et très sombres. Le titre Shadowmaker se réfère à beaucoup de choses et la chanson a été la première que nous avons composée pour cet album. Dans les paroles nous disons « comment une personne aussi belle, peut-elle être aussi triste ? » Nous parlons donc des faux-semblants. Des relations amoureuses ou amicales qui semblent être saines mais qui finalement sont très destructrices. On parle de douleur. Les deux personnages, assez féminins, représentent ces idées liées aux faux-semblants. Même si la couverture est très claire, je pense que l’album en lui-même est assez sombre. On parle des personnes qui bouffent toute ton énergie. On parle des personnes qui sont supposées te représenter en politique ou au gouvernement.

C’est la direction que vous souhaitez prendre pour les prochains albums aussi ?
Il représente notre liberté artistique. C’est ce qu’est Apocalyptica aujourd’hui. C’est un polaroid de notre musique et de qui nous sommes. Plus tard nous pourrons regarder dans nos archives et voir que chaque album représente une tranche dans nos vies.

Une dernière question avant de terminer : notre question rituelle. Beatles ou Rolling Stones ? Et pourquoi ?
Je vais prendre les Beatles pour leurs styles très variés. Ils ont réussi à se réinventer pratiquement à chaque album. J’admire cela.

Propos recueillis par : Nathalie Barbosa

Toutes les dates de leur tournée sur leur site ici :

http://www.apocalyptica.com

Ils seront notamment à l’Atelier (Luxembourg) le dimanche 25 octobre 2015 (pour les vrais fans, des Meet and Greet sont encore disponibles ici) et au Zénith (Paris) le 6 novembre 2015.

Jusqu’à 2015, le groupe s’illustrait sur scène et sur les réseaux mais nous n’avions pas grand-chose à nous mettre dans les oreilles. Le vide est à présent comblé puisque est sorti le 10 Janvier le premier EP de la formation. C’est quelques jours après le concert de lancement que je reçois la galette dans un petit colis à l’effigie du groupe, rappelant les dates de concerts à venir.

L’EP a proprement dit se nomme Rivers et contient 5 titres. Le premier contact avec le disque se fait par le visuel. Actuellement la plupart des EPs sont conditionnés dans de simples pochettes en carton avec des visuels bâclés. Go By Brooks se démarque en proposant un digipack avec logos et photos bien placés ainsi qu’un livret de paroles.

Place maintenant à l’écoute.

Dans son ensemble le groupe joue beaucoup sur l’alternance entre passages calmes avec un accompagnement au piano et les passages plus énergiques ou les guitares et percussions prennent de l’ampleur.

Le groupe a semble t’il travaillé sur sa dualité entre groupe acoustique et amplifié en proposant des morceaux qui bien que tous dans la même dynamique donnent chacun un ressenti différent. Les textes, donnant plus le sentiment d’une histoire racontée que d’une énumération de banalités n’y sont pas pour rien.

Ainsi les deux premiers morceaux (Dancing with the Devil et Obey) sont les plus énergiques aussi bien dans les intonations de voix que dans le choix des accompagnements. Tandis que les trois autres morceaux (Street of Paris, Beautiful Looser et Take my hand) s’inscrivent plus dans une démarche mélancolique. L’ambiance sonore y varie moins et donne une certaine cohérence aux compositions.

Les morceaux sont agréables à écouter mais je regrette l’absence de quelques « prises de risques » au niveau des structures, ces dernières mériteraient de sortir des plans classiques intro-couplet-refrain pour bénéficier d’un rendu plus original.

Du côté du son, l’ensemble est propre. Peut-être même un peu trop, ce qui donne un aspect brut à la production. Cela a des avantages et des inconvénients. D’une part on peut aisément s’imaginer ce à quoi peut ressembler le groupe en live. Mais d’une autre part, plus de travail sur le mastering permettrait de sublimer les compositions et leur donner une résonnance particulière. Au stade d’un EP rien de dramatique, puisque les artistes s’en servent principalement pour prendre de premiers contacts avec des programmateurs et tourneurs tout en donnant aux spectateurs des concerts une première opportunité de soutenir le groupe, mais il faudra évidement rectifier la chose dans l’éventualité d’un réel album.

En définitive, c’est une nouvelle fois du Luxembourg que nous vient un projet prometteur qu’il va falloir surveiller. Et cela commence par les lives, dont il est toujours bon de rappeler la liste. N’hésitez pas à aller les y soutenir, et peut être que vous en repartirez conquis, un EP dans les mains…

Si vous désirez vous le procurer en digital c’est ICI (Itunes) ou ICI (google play) que cela se passe.

Article: Matthieu Henkinet

Vous avez été signé sous votre premier label en 1971, donc cela fait 43 ans que vous êtes dans le business de la musique. Quel est votre secret concernant votre longévité ?
Je pense que ce sont la chance et le talent mais je ne sais pas exactement à quel pourcentage. Je crois que d’avoir pu faire de la musique pendant si longtemps dépend du plaisir que cela m’a toujours procuré, indépendamment du succès. Le succès peut aller et venir après plus de 40 ans de travail mais après un certain temps vous devez apprendre à le considérer comme quelque chose qui ne doit pas vous conditionner.

Vous avez sorti votre dernier album en 2008. Travaillez-vous sur un nouveau projet en ce moment ?
Je me débrouille toujours pour dire que le prochain album est un enregistrement des « covers de moi-même ». Ce sont 28 chansons écrites au cours d’une longue période de ma vie artistique, certaines plus célèbres que d’autres, que j’ai voulu enregistrer pour témoigner les changements qui sont intervenus dans ma tête, dans le groupe qui m’accompagne, l’évolution des arrangements. Je considère que la chanson est quelque chose dotée d’une vie propre et qui ne peut pas être confiée pour toujours uniquement à la version discographique « originale ». Les versions du nouvel album sont très proches de la façon que nous nous sommes appropriés en les jouant lors de nos concerts. J’avais envie de montrer et de faire sentir tout cela.

Quel est le dernier album que vous ayez acheté ou téléchargé ?
Le dernier album de Cohen. C’était un cadeau d’un ami, mais j’aurais été l’acheter de toute façon. Je l’ai trouvé très soigné dans les arrangements (peut-être un peu trop) mais malgré tout c’est un disque extrêmement inspiré. Comme d’habitude sa voix parvient à raconter le temps et le monde d’une façon émouvante. Je l’écoute souvent et je ne m’en lasse pas, chose toujours moins fréquente dans ma vie d’auditeur de musique d’aujourd’hui.

On vous dit souvent influencé par Cohen ou Dylan, mais que pensez-vous de Patti Smith (ndlr : en interview pour le Magazine Karma ici) ?
J’ai toujours aimé l’indépendance intellectuelle de Patty Smith. Pour être honnête, je n’ai pas tous ses disques mais sans sa voix, la scène musicale des dernières quarante années ne serait pas la même. Elle occupe une place qui lui est propre, personne ne lui ressemble. On ne peut pas dire cela de beaucoup d’artistes.

Quels conseils donneriez-vous à un artiste indépendant qui voudrait se lancer ?
Aujourd’hui un artiste émergent a beaucoup de possibilités de faire connaître son travail. Le réseau offre une série de chances infinies à un jeune musicien. Il peut enregistrer chez lui ses chansons et les mettre en ligne, il peut produire ses vidéos à bas coût, s’il le désire. Il peut aussi enregistrer une partie à la guitare dans sa maison à Rome, une partie de basse par son ami de Montréal et de la batterie par un batteur de Harlem. Tout cela peut avoir une diffusion mondiale à travers le web. Même les spectacles d’artistes amateurs sont une occasion importante, si l’on parvient à rester soi-même dans une telle circonstance. Mais je crois aussi que si vous n’apprenez pas à jouer devant un vrai public, peut-être dans un petit club ou devant un groupe d’amis, il sera difficile de croître. Je dirais que c’est peut-être la seule chose dont un artiste ne peut se passer.

Notre question rituelle. Si vous deviez choisir entre les Beatles ou les Rolling Stones, qui choisiriez-vous et pourquoi ?
Quand j’allais à l’école, j’étais pour les Beatles. Aujourd’hui, je dirais les Stones. Mais si je réécoute Sgt. Pepper ou Rubber Soul, je l’écoute encore du début à la fin. Et peut-être même que je vole quelque chose ici et là.

Une variation spéciale de cette dernière question pour vous : Bob Dylan ou Leonard Cohen et pourquoi ?
Sûrement Bob Dylan. Leonard Cohen est un grand artiste, mais, en lui, tu trouves uniquement Leonard Cohen. En Bob Dylan, tu trouves toute la musique qui m’a toujours plu, du rock au folk ou au blues, de Robert Johnson à Hank Williams, d’Elvis à Sinatra. Et sa voix d’aujourd’hui, sa façon de chanter actuelle me clouent devant les enceintes.  Que ce soit en écoutant ses disques ou que j’aille dès que je peux écouter l’un de ses  innombrables concerts toujours différents les uns des autres.

Propos recueillis par : Nathalie Barbosa

Traduction faite par Mirella Fontanelli-Filippini et Paola Wagner-Cieri

Le dubstep et la soul sont deux genres a priori complètement distincts. En mariant les sons du futur à sa soul organique, le Britannique Alex Clare est inégalé. Son premier single Too Close a été repris par le géant Microsoft pour une publicité. Grâce à ce « hasard », Alex Clare est devenu un phénomène mondial. Ce qui était pensé devenir une « expérience » a connu un succès dans les hitparades. Du jour au lendemain, en plus…

Sa collaboration avec les producteurs Diplo et Switch (Major Lazer) à la Nouvelle-Orléans a mené au premier album, The Lateness Of The Hour.

Avec une voix quelque part entre Jamie Lidell et David Gray, c’est son mélange de genres qui fait son charme et trouve ses adeptes aussi bien dans les clubs soul des États-Unis que sur les pistes de danse de l’Asie.

Et Too Close ne reste pas l’unique succès… Up All Night et Treading Water confirment que la formule fonctionne à merveille.

Ensuite, les collaborations Not Giving In et Give You Up avec les Britanniques de Rudimental sont devenus des succès.

Alex Clare, originaire du quartier de Southwark de Londres, a grandi dans un univers où les disques de jazz de papa, mais aussi la musique de Cole Porter et de Stevie Wonder ont rythmé la baraque. Il a côtoyé la défunte Amy Winehouse pendant un certain temps… le décor est planté.

Jusqu’ici les artistes de musique soul se contentaient d’imiter leurs prédécesseurs de Joss Stone en passant par Raphaël Saadiq. Avec The Lateness Of The Hour, Alex Clare fait enfin entrer la soul dans le XXI^e siècle. Là, il se positionne enfin en phase avec son temps : la violence et l’exacerbation des sentiments chez les jeunes générations, avec pour fond sonore, la froideur d’une musique électronique pesante et libératrice.

Avec The Lateness Of The Hour, Alex Clare a réussi à redonner à la soul un intérêt pour un genre qui avait tendance à sommeiller sur ses acquis. Le disque conserve une énorme part de créativité et de qualité. Alex Clare est un artiste bien entouré, aussi il se fait plaisir, et ce, qu’il regarde droit devant lui ou par-dessus son épaule.

Les grandes mélodies et les structures sophistiquées sont aussi au rendez-vous sur l’album actuel Three Hearts et son premier single War Rages On.

Ouverture des portes à 20h00. Billets d’entrée disponibles sur le site www.atelier.lu ou dans tous les points de vente habituels.

Textures de velours, rêveries en poussières d’étoiles et mélodies dorées… c’est peu dire que cet album est la proposition la plus accomplie qu’ils aient pu donner à ce jour. Mixé par Billy Bush (Garbage, Jake Bugg), l’album est du pur Angus & Julia Stone, mais il y a une qualité nouvelle ici, une richesse qui ne passe pas inaperçue. C’est un album empli de sentiments, mais aussi d’une nouvelle sensation de liberté et de confiance perceptible de bout en bout. Que l’on parle de maturité ou de réinvention du duo, ce nouvel album se révèle avant tout captivant, viscéral et excitant. Angus qui est connu pour ne pas être trop bavard en interview est un peu sorti de sa torpeur pour répondre à nos questions avant leur retour en France en avril 2015.

Bonjour Angus ! Merci pour cette superbe prestation au Sonic Visions à Luxembourg (ndlr: live report à relire ici) ! Parle-nous de cet album et de comment vous l’avez enregistré.
Bonjour Nathalie ! Merci, on a passé un super moment ! Cet album nous l’avons enregistré dans les studios de Rick Rubin : le Shangri La à Malibu. Nous y étions pendant à peu près cinq semaines. Cinq semaines complètes où nous avons pu nous concentrer exclusivement sur notre musique et sur la production de notre album. Nous n’avions jamais travaillé comme ça. Nous n’avions avant cela jamais eu l’opportunité de nous concentrer uniquement sur un album car, avant, nous enregistrions entre deux concerts ou en pleine tournée. Ici, nous avons eu le temps de nous poser et je pense que cela s’entend.

Vous avez vécu un peu en autarcie pendant ces quelques semaines ? Vous vous êtes consciemment coupés du monde extérieur ?
Un peu, oui. Ce n’était pas simple car, personnellement, il me faut ces petits moments de libertés, même si elle n’est que mentale, pas nécessairement physique, où je m’évade, je rêvasse ou je ne pense à rien. Je dois dire que nous avons vraiment travaillé très dur et j’avais peur au début de passer autant de temps seuls et ensemble, car ça faisait longtemps que cela ne nous était pas arrivé. C’était aussi très sympa de se faire livrer de la nourriture dans le studio. Il suffisait de dire « j’ai envie d’une pizza » pour que quelqu’un se charge de commander une pizza et 15 minutes après, elle était là, fumante, sur le coin de la table de mixage.

Rick a dit dans une interview qu’il voyait ça comme une sorte de « family healing » entre toi et ta sœur. Le vois-tu de la même façon ?
Julia oui, mais moi je le vois de façon plus distancée. Julia pense vraiment que nous nous sommes rapprochés durant ce processus. Pour elle, nous sommes devenus plus « amis » que « frère et sœur ». Moi, de mon côté, je pense que nous nous serions retrouvés d’une façon ou d’une autre. Peut-être sur un autre projet plus tard, qui sait ? Rick a été le déclencheur. C’est lui qui a tenu à nous voir jouer et faire un album ensemble et le résultat est vraiment fantastique. Il a eu raison sur toute la ligne. Quand Rick m’a donné rendez-vous la première fois pour que l’on parle ensemble, je m’attendais à ce qu’on aille dans un studio ou chez lui. En fait, non, il m’a donné rendez-vous sur une route près de la plage. Il aime surfer, et comme moi aussi j’adore, on a passé un long moment à surfer sur les vagues de Malibu sans vraiment parler de musique ou de projets. Ça a brisé la glace très vite et je me suis tout de suite senti en confiance.

C’est la première fois que vous écrivez des chansons ensemble sur cet album. C’était facile ?
Assez, oui. Finalement, je pense que cela nous a surpris de voir à quel point nous fonctionnions bien ensemble. On s’est redécouvert et très franchement, on s’était laissé une porte de sortie au cas où ça ne marcherait pas. Si le feeling n’était pas bon lors de la composition des chansons, je pense qu’on aurait tout arrêté et l’album n’aurait jamais vu le jour.

Comment procédez-vous quand vous écrivez ? Vous vous basez sur des faits, des expériences personnelles ou votre imagination prend le dessus ?
C’est très souvent une combinaison de tout ça. Il y a, par exemple, une phrase dans la chanson « Main Street » qui parle de l’histoire où Julia a piqué des guirlandes de Noël dans un magasin. Sinon, le reste de la chanson parle d’un de ses exs qui est devenu un ami, ce qui prouve qu’on n’a pas besoin de se détester après une séparation.

Tu peux me raconter cette histoire de vol ? On est bientôt Noël donc c’est dans l’air du temps.
Après le lycée, nous avions déménagé dans l’ancienne maison de notre père et on a commencé à ce moment-là à nous montrer nos chansons. Comme nous n’avions pas beaucoup d’argent, nous voulions organiser des concerts dans l’ancien garage de la maison. Nous l’avons aménagé avec ce que nous avons trouvé sur des anciens sites de construction. Nous avons fait une belle scène et sur le côté il y avait un bar Tropicana. Il nous fallait de belles lumières colorées pour que cela soit parfait. J’ai suggéré que nous les volions dans le magasin du coin et ça a fonctionné.

Vos parents ont formé un duo folk. Cela vous a influencé ?
Ils ont formé un duo folk pendant à peu près un an, puis ils ont eu des enfants. Le duo n’a jamais été une décision prise comme ça, où un beau jour tu te retrouves à penser : « tiens, si on faisait un duo ». Jouer et chanter ensemble leur apportaient beaucoup de joie. La musique a toujours eu une place très importante dans notre famille. Donc, oui, probablement de les voir faire de la musique, ça nous a peut-être donné envie inconsciemment de le faire aussi. Nous avons sûrement hérité de leur amour de la musique. Notre père a d’ailleurs passé une partie de la tournée en Europe avec nous dans le bus de tournée et il adore nous suivre ou nous rejoindre quelque part.

Une dernière question avant de terminer : notre question rituelle. Beatles ou Rolling Stones ? Et pourquoi ?
Mon cœur saigne ! Je vais devoir choisir les Rolling Stones. En fait, ce que je voudrais, c’est réunir tous les membres, du moins ceux restants, pour en faire un super-groupe ! Ce serait tellement énorme ! Je ne peux pas vraiment choisir, désolé.

Propos recueillis par : Nathalie Barbosa

Les prochains concerts du duo en France:

Avril 2015 :
22/04/15 – RENNES (35) – Le Liberté
23/04/15 – PARIS (75) – Zénith

Disque d’or pour l’album d’Angus & Julia Stone

© Julien Mecchi

 

Cette année sont à l’affiche sept groupes, mais comme de nombreux autres je loupe quelques-uns des premiers participants. Le festival ouvrant ses portes à 17h30 et en milieu de semaine, il contraint toutes les personnes retenues par leur travail, leur vie de famille ou d’autres obligations à faire une croix sur les groupes émergents programmés en bas d’affiche.

Lorsque j’entre dans la salle, le groupe More Than a Thousand est sur scène. Il est déjà trop tard pour que je puisse les prendre en photos, mais j’assiste à une partie de la prestation énergique des Portugais.

Mais ce n’est réellement qu’après un changement de plateau que les choses sérieuses commencent pour moi. C’est le groupe Obey the Brave qui grimpe sur scène pour y donner de leur mix entre hardcore et metalcore. Dès la première note, on sent une grande énergie émaner de la scène, et elle ne la quittera pas avant la fin du set.

Entre les morceaux, le frontman s’adresse quasi systématiquement en français au public avant de traduire lui-même en anglais pour être compris de tous. La volonté de communiquer est forte et appréciable. Le public plutôt frileux jusqu’alors répond favorablement aux appels de circle pits et fait monter la température d’un cran.

Le groupe suivant à prendre la scène est la valeur montante du hardcore des deux dernières années, Stick to Your Guns. Avec leur hardcore « moral » et leur album Diamond, ils ont conquis les oreilles d’une vaste communauté. Cette fois, ils défendent leur nouvel opus Disobedient.

Les textes virulents et l’énergie déployée font recette, donnant une nouvelle allure à la fosse. De nombreux spectateurs s’avancent pour chanter en chœur les passages marquants des morceaux.

J’avais déjà eu l’occasion de voir le groupe dans le cadre d’un grand festival en extérieur et la prestation ne m’avait pas emballé, aujourd’hui je constate avec plaisir que la formation s’épanouit bien plus sur une scène proche du public.

Le groupe qui suit a installé son nom parmi les groupes les plus respectés du hardcore actuel, il s’agit de Comeback Kid. A son entrée sur scène, le groupe ne fait pas défaut à la dynamique de la soirée et donne d’office son meilleur jeu. Pourtant, là où chaque concert du groupe laisse habituellement des traces, ici la fosse reste statique. Le premier surpris est Andrew, chanteur du groupe, qui harangue la foule en leur demandant de l’énergie : « We need you ». Aucun effet. Au bout de quelques morceaux, il en va d’un speech sur l’énergie nécessaire au hardcore. Aucun effet.

Le public de la Kulturfabrik semble avoir décidé de bouder le groupe et ne s’agite vaguement que sur quelques anciens morceaux. Le dernier album qui est au passage l’un des meilleurs de Comeback Kid n’a vraisemblablement pas touché le Luxembourg. Dommage pour le groupe et pour ceux qui savent ce que peut être un de leurs vrais concerts…

Le dernier groupe à se présenter à la Kulturfabrik ce soir est Terror. Évoluant dans un hardcore plutôt « traditionnel », le groupe s’est forgé une réputation à coup de tournées à travers le monde, souvent en première partie de légendes de la discipline. Cette fois ils sont en tête d’affiche et sont décidés à y rester.

Scott, le frontman profite d’un regain d’intérêt de la part du public pour chauffer un peu plus les lieux, annonçant détester les barrières et que la scène appartient au public. On regrettera que la sécurité ne comprenne pas l’esprit et se jette avec un peu trop de véhémence sur les personnes prenant le chanteur au mot.

Le groupe ne déroge pas à sa réputation de groupe de scène et offre une prestation à la hauteur, laissant quelques acouphènes dans les oreilles des uns, des bleus sur le corps des autres.

Le Never Say Die n’aura pas déçu, cette année encore et le virage de la programmation vers plus de hardcore a été fait avec goût. Tout ce qu’il faut pour décompresser en milieu de semaine, on en redemande…

Article et photos : Matthieu Henkinet

La nuit a été courte après les concerts de la veille et c’est les yeux tirés que je me dirige vers l’imposant bâtiment. J’ai d’ailleurs dû faire une croix sur la première conférence de la journée afin de prendre le temps de décharger mon appareil photo et me préparer pour cette nouvelle épopée. J’arrive donc à un moment qui n’est pas le plus idéal, puisque la série de workshops sur les concerts en grande région dont je vous parlais dans mon précédent article est à nouveau programmée, permettant à ceux qui l’avaient loupé d’obtenir une séance de rattrapage.

J’en profite donc pour mettre en application les conseils obtenus la veille sur l’importance du réseau, et vais discuter avec quelques personnes de ma connaissance. Il n’est pas toujours facile de garder le contact avec tous les groupes, toutes les associations et toutes les structures ; mais Sonic Visions rassemblant Messins, Nancéiens, Luxembourgeois, Belges, Allemands et bien d’autres, les visages connus ne sont pas rares et je saisis l’occasion d’échanger au maximum.

Je n’ai pas à attendre très longtemps avant la conférence sur les outils numériques pour les artistes et managers. Animée par Jake Beaumont-Nesbitt (IMMF) et un panel de professionnels. Sont présents sur l’estrade Virginie Berger (fondatrice et administratrice à Don’t Believe the Hype), Jeroen Bouwman (Manager à Youtube Music Benelux), Mathias Brinkmann (Responsale du marketing digital à Believe Digital) et Natalia Talayero (MMF Espagne).

Au menu, une analyse des nouveaux moyens de se faire repérer sur internet. Certains vont se spécialiser dans les vidéos sur Vine, d’autres dans des plateformes de blogging, certains préféreront les désormais traditionnels Facebook et Twitter… L’important est de ne pas se noyer dans les réseaux, puisque à vouloir trop en faire on finit par en délaisser une partie. Il faut aussi savoir être régulier, il est inutile d’inclure à divers endroits un lien vers le Twitter du groupe si la dernière publication qui s’y trouve date de 6 mois. Il faut aussi s’adapter au public visé, un groupe de black metal ne devrait à priori pas rencontrer le plus gros de son auditoire sur Instagram ; un groupe de chansons 80’s aura du mal à émerger à l’aide de Snapchat. Il faut créer une identité cohérente.

Toutes ces nouvelles plateformes permettent aussi de récolter de précieuses données, mais souvent les groupes et managers les sous estiment. Il est désormais possible de savoir dans quels pays l’auditoire est le plus présent, le plus actif, à quelle heure les posts ont le plus d’impact, quels contenus sont les mieux reçus. Tout cela peut être utilisé aisément pour adapter non pas l’identité du groupe mais sa communication à ceux qui y portent un intérêt, construisant ainsi une base de fans plus forte.

Je m’écarte de la salle principale pour me rendre à la conférence loupée hier sur l’organisation de concerts au Luxembourg, animée par Sam Reinard du Music & Resources de la Rockhal. Je ne le vois une nouvelle fois pas en entier, mais l’information principale est qu’une grande partie du développement d’artistes à Luxembourg passe par le M&R Rockhal, ainsi leur site internet donne accès à un grand nombre de ressources et contacts : http://www.cr.rockhal.lu/

Je reste dans la même salle, puisque suit un panel relatif à la place du metal au Luxembourg et en Europe.  Le tout est animé par Olaf Furniss, accompagné par Simon Hall (booker du Festival Bloodstock), Boban Milunovic (directeur du festival Metaldays), Runar Petterson (chargé de communication du festival Inferno). Est aussi présent un membre du groupe Scarred, venu parler de son parcours. Le tout est organisé comme une conversation informelle entre les différents intervenants, l’assistance étant régulièrement mise à contribution. J’y apprends notamment que les festivals ont mis en place un système d’échanges et de promotion des talents afin de faire émerger les groupes de demain. Sont aussi discutés les moyens pouvant être mis en place pour être vus même si on est programmés à 14h le jour du festival (flyers, affiches, etc.).

Le tout est très intéressant et il est enrichissant de pouvoir discuter des spécificités du milieu metal, mais le devoir m’appelle ailleurs puisque le panel intitulé « La route du succès et comment y rester » démarre dans la pièce voisine. Cette intervention est animée par Allan McGowan (journaliste), entouré d’une foule d’intervenants entre artistes et professionnels du milieu. Du côté des artistes, Sacha Breuer (Scarred), Victor Ferreira (Sun Glitters), Nicolas Przeor (Mutiny on the Bounty), Jérôme Reuter (Rome). Pour ce qui est des professionnels, Michael Bisping (Directeur du Management à ASS Concerts & Promotion), Mathias Brinkmann, Herman Hulsens (Booker à Peter Verstraelen Agency), Didier Zerath (Manager d’artistes et consultant).

Ce panel prend dans un premier temps la forme d’un « do & don’t » (à faire et à ne pas faire) où les artistes relatent les soucis qu’ils ont pu rencontrer dans leur carrière, les bonnes décisions et les mauvaises, tout ce qui peut être formateur en somme.

Ensuite la conversation prend l’apparence (volontairement ou non) d’un bilan de tout ce qui a été dit lors des conférences précédentes. Ne pas penser que qui que ce soit fera les choses à votre place, il faut se tirer du lot, utiliser les technologies disponibles, entretenir la fan base, etc. Si vous aviez manqué un conseil, cette conversation y remédie, mais elle reste tout de même très vague.

La dernière conférence, est pour le coup moins vague, puisqu’elle propose un focus sur Youtube, ses outils et ses opportunités, animée par Joroen Bouwman, responsable du management de Youtube Music au Benelux et dans les pays Nordiques. A l’aide d’un micro fixé à sa tête et de projections des plus explicites, le speaker relate les différentes voies du succès que propose la plateforme de vidéos. Bien que l’on sente une bonne dose de parti pris dans sa présentation le tout est efficace et de nombreux outils méconnus du public sont explicités. Certains chiffres sont d’ailleurs suffisamment équivoques : chaque jour, 400 ans de contenus sont ajoutés sur Youtube, autant dire qu’il faut vraiment tirer son épingle du jeu.

L’allocution est un peu écourtée en raison de retards sur le programme. Elle laisse place à un nouvel apéro sponsorisé et à la remise des VCAs 2014, récompensant les meilleurs clips luxembourgeois de l’année. Pour ma part je n’en vois que le début, puisque de l’autre côté de la rue, à la Rockhal, les concerts sont prêts à commencer. Je vous en parle dans mon prochain article…

Article et photos : Matthieu Henkinet