Bonjour Thomen ! Les super-groupes sont à la mode en ce moment. Pas trop dur de gérer les égos de chacun ? 

Bonjour Nathalie ! Ce n’était pas notre intention de créer un super-groupe et c’est vrai que c’est un peu à la mode. Nous nous voyons plus comme un ensemble de personnalités très différentes mais pas comme entité commune. C’est Mario qui a eu l’idée de faire ce groupe lors d’une rencontre avec Roland après un concert. On aime faire de la musique ensemble, c’est aussi simple que ça. C’est comme ça que tu arrives à motiver les gens : en leur disant qu’on allait faire de la musique dingue en regroupant tous nos cerveaux !

D’où vient le nom Serious Black ? Es-tu fan de Harry Potter ?

C’est vrai que c’est de ma faute. C’est moi qui ai eu l’idée. Cela date de l’époque justement où Hammerfall voulait qu’on fasse la première partie de leur tournée. Or à ce moment-là on n’avait pas encore de nom. On s’était dit qu’on verrait ça plus tard mais pour la promo de la tournée, il fallait trouver un nom correct dans la semaine. On était un peu stressé. En regardant un soir le film de Harry Potter avec mes enfants, j’ai trouvé que le nom Sirius Black était vraiment sympa et irait bien avec notre musique. Le lendemain je l’avais encore en tête et je l’ai proposé à Mario, qui m’a dit que j’étais fou. (rires !) Finalement ça lui a plu mais on a décidé de changer l’orthographe pour ne pas avoir de soucis avec les droits du film et du bouquin. On savait que grâce à ce nom, on aurait des questions des journalistes, mais on assume totalement ! J’aime beaucoup les mondes de Harry Potter ou du Seigneur des Anneaux, donc pourquoi pas ?

Comment se passe l’écriture des morceaux ?

En fait, le plus dur c’est de gérer nos agendas respectifs afin de trouver des plages pour composer et créer ensemble. Sinon, ça dépend. Certaines chansons sont écrites par Urban Breed et d’autres par moi. Chacun a son mot à dire sur l’ensemble des morceaux et on a notamment voulu faire que l’album As Daylight Breaks soit cohérent du début à la fin. Pour l’album on n’a pas mis longtemps. On avait une vingtaines de morceaux déjà composés avant d’aller en studio, ce qui fait qu’on a juste dû procéder à une sélection et à quelques rafistolages. On se connait depuis des années et même si on n’a jamais vraiment joué ensemble avant, on gère nos égos plutôt bien pour le moment. A vrai dire si on était vraiment des gars égocentriques, on n’aurait jamais accepté de faire la première partie de Hammerfall.

Comme vous écrivez rapidement, vous pensez déjà à l’album suivant ?

Oui, on est très prolifique en matière d’écriture et on commence à écrire de nouveaux morceaux. On a beaucoup d’idées pour la suite, donc c’est vraiment une bonne ambiance et c’est très agréable de travailler dans ces conditions. Nous avons eu la chance de trouver notre propre style quasiment tout de suite, nous allons donc poursuivre dans cette optique.

Vous aimez aussi pas mal le mysticisme quand je vois les titres des morceaux comme « Akhenaton » ou « My Mystic Mind », non ? 

Oui, les textes viennent ici d’Urban. Pour « Akhenaton » notamment, on parle d’une personne qui a une double personnalité et qui d’une certaine manière se regarde dans un miroir dans cette chanson. Urban est très bon pour écrire des textes à double ou triple sens en anglais. Nous, les membres du groupe, on ne demande jamais trop d’explications, car ses textes sont très personnels. Et on veut laisser une part de mystère aussi.

En tournée, vous appellerez vos copains de vos groupes respectifs en « guests » ou c’est hors-de-question ? 

Je pense qu’on essaie tous de bien séparer Serious Black et nos groupes respectifs, car on ne voudrait pas tout mélanger. On ne fait pas de promo pour Serious Black sur les réseaux sociaux de nos groupes respectifs par exemple. Je trouve que ça ne se fait pas. Serious Black est un projet à part entière et il mérite toute l’attention qu’on lui porte sans pour autant profiter de la notoriété d’un autre groupe, si tu vois ce que je veux dire.

Pour finir à Karma nous avons une question rituelle : préfères-tu les Beatles ou les Rolling Stones? Et pourquoi ?  

Je vais prendre les Beatles sans hésitation. Les Rolling Stones c’est vraiment un groupe très rock, qui a fait une super carrière. D’ailleurs elle n’est pas finie, mais j’ai toujours préféré les Beatles  pour leurs mélodies et aussi pour les trucs bizarres qu’ils ont créés. Ils sont même allés en Inde, c’est vraiment dingue !

Propos recueillis par : Nathalie Barbosa

Certains concerts cet été 2015 en vue :

http://www.serious-black.com/#!tour/c1q2g

Ils étaient d’ailleurs hier, le mercredi 8 avril 2015 à partir de 22h00, en acoustique sur RTL 2 dans l’émission Pop Rock Station by Zégut.

L’affiche ici de leur concert à Paris ici :

Préventes disponibles ici
Toutes les infos là

Ils vous proposent d’ailleurs de créer votre propre cover de « American Spring » sur ce site. (nouvel album disponible le 25 mai 2015)

L’affiche ici:

Grâce à son charme unique, elle a attiré une multitude de jeunes chanteurs-compositeurs britanniques partageant les mêmes idées et soucieux de leur propre indépendance. Elle se considère comme un membre d’un « collectif », au sens large. Cela explique pourquoi vous verrez probablement, dans les coulisses de ses concerts, la chanteuse et guitariste Lucy Rose, ainsi que Tom Odell (le gagnant d’un Brit Award qui l’a invitée à sa tournée et qui chante sur le morceau « Grow », qui fait partie de l’album), le producteur et prodige électronique Ben Garrett (a.k.a. Fryars, co-producteur de « Cold »), ou encore le chanteur de Bombay Bicycle, Jack Steadman, qui s’associe de temps en temps à ses tournées. Sa réputation de musicienne explique les nombreuses apparitions de musiciens invités sur son album à sortir dans les bacs, « Unguarded ». Mais Rae est bien plus qu’une collaboratrice qu’on peut réserver, elle a sa propre vision et elle sait très bien faire son propre chemin, sans tenir compte des bruits qui entourent le spectre musical contemporain. Pour être clair : il n’y a pour l’instant aucun musicien au Royaume dont le son est comparable à celui de Rae. Elle se produira au Floor, la nouvelle salle intime de la Rockhal, le jeudi 16 avril 2015.

Bonjour Rae ! Quels sont tes premiers souvenirs d’enfance liés à la musique ? 

Bonjour Nathalie ! Je me revois petite dansant dans le salon avec ma mère et ma grand-mère, mais je devais avoir 3 ou 4 ans seulement. Je pense qu’il y a une vidéo qui existe. Sinon je me souviens qu’on écoutait beaucoup la radio quand on partait en vacances en voiture avec mon père. Je me souviens surtout de ça en fait : on écoutait beaucoup la radio.

Ton premier album « Unguarded » est sorti le 23 janvier 2015. Que penses-tu de l’accueil de cet album pour le moment ?

Très contente et très surprise de l’accueil à vrai dire. C’est très bizarre quand ta vie tourne autour de la sortie d’un album et que finalement il finit par sortir. Je suis très chanceuse de voir que les gens l’apprécient et il me permet aujourd’hui de voyager dans de supers pays que je ne connais pas, comme le Luxembourg par exemple.

Tu avais déjà sorti des EPs avant ce premier album. En quoi la préparation de cet album était différente à tes yeux ?

En fait j’ai l’impression que tout ce que j’avais fait avant m’a menée à ce premier album. Toutes les expériences acquises lors des EPs, les premiers singles, les premières prises vidéo, m’ont menée au résultat de l’album. J’y ai appliqué tout ce que j’ai appris au fil des années. Mentalement, faire un album est une grosse charge de travail. J’ai ressenti beaucoup plus de pression que lors de mes EPs, mais il s’agit de la pression que je mettais moi sur mes épaules et personne d’autre. Je voulais faire un album dont je serais fière pendant pas mal d’années encore, afin que je puisse le faire écouter à mes enfants et à mes petits-enfants. En gros, je voulais le faire de la bonne façon et ne pas me précipiter.

Tu as eu la chance d’avoir un label qui te laisse le temps pour pouvoir l’écrire et l’enregistrer. Entre le moment où tu as signé avec le label Atlantic et la sortie de ton premier album, quelles ont été tes évolutions majeures ?

J’ai beaucoup grandi pendant ces quelques années. Je venais d’une petite ville d’où je n’étais pratiquement jamais sortie et je n’avais pas rencontré beaucoup de monde. En fait, je ne savais pas encore qui j’étais vraiment. Finalement cette recherche de moi-même est devenue le concept-même de l’album. J’avais envie d’emmener les auditeurs dans ce voyage qui est le mien et de leur laisser observer la personne que j’allais devenir pour un bon moment.

Tes chansons parlent beaucoup de tes expériences personnelles. As-tu eu des appréhensions à ce sujet lors de la sortie de l’album ? 

Je n’y jamais vraiment réfléchi… C’est vrai que les morceaux parlent de mes expériences, de mes sentiments. C’est ma façon personnelle de les digérer. Souvent je me suis dit que l’album était un peu comme un journal intime auquel j’allais raconter toutes mes aventures. Je pense très sincèrement que l’art est la manière de s’exprimer la plus libre du monde. J’ai toujours été honnête dans ma musique et je viens d’un milieu où l’honnêteté a toujours été acceptée, même si parfois elle peut faire mal. Je pense que c’est important d’être honnête avec les autres mais aussi avec soi-même. Et puis, très franchement, c’est comme quand tu es sur une scène et que le public ne te quitte pas des yeux, sauf qu’ici le public est peut-être un peu plus grand. Je commence tout doucement à m’y habituer.

Le titre de l’album « Unguarded » cela a toujours été une évidence ? 

Non, pas du tout. La production de l’album était une vraie recherche de moi-même et donc j’avais quasiment un titre pour chaque phase de mon évolution. Le titre est venu quand j’ai écrit la chanson « Unguarded » et là c’est comme quand tu trouves la dernière pièce d’un puzzle géant. Tout s’est emboité tout de suite. C’était un vrai moment « Eureka ! ».

Les morceaux comme « Love Again » sont très différents de tes morceaux en piano-voix. Est-ce un vrai choix de ta part ? 

Je pense que c’est une évolution et une progression naturelles. « Love Again » est un titre très joyeux et je l’ai écrit alors que l’album était pratiquement terminé. Je pense que je voyais le bout du tunnel et j’étais très heureuse du résultat concernant cet album. Il est né aussi suite à mes différentes collaborations, avec Bombay Bicycle Club notamment.

Quelles sont tes idoles en matière d’écritures de paroles ? 

J’aime beaucoup Kate Bush, mais je pense que je me suis vraiment rendue compte que l’écriture des paroles des chansons pouvait avoir un impact phénoménal en écoutant Feist et Cat Power. J’ai réalisé à quel point les chansons pouvaient délivrer un message : qu’il soit politique, poétique ou autre. J’ai découvert des femmes avec des personnalités très fortes et de vraies opinions. J’aime aussi comment elles n’hésitent pas à essayer de nouvelles manières de chanter. C’est un vrai atout de savoir utiliser sa voix à bon escient. Cela m’a élargi l’horizon.

Pour finir à Karma nous avons une question rituelle : préfères-tu les Beatles ou les Rolling Stones? Et pourquoi ?  

C’est très difficile. Je pense que je vais choisir les Rolling Stones. J’ai découvert les Beatles que très tard et j’ai eu du mal à savoir quelle chanson je devais écouter en premier. Je ne comprenais pas vraiment leur évolution. J’ai fait une reprise des Beatles il n’y a pas longtemps et je pense que cela me permet de me sentir moins coupable à leurs égards. Par contre j’ai toujours été fan des Rolling Stones, c’est pourquoi je les choisis eux.

Propos recueillis par : Nathalie Barbosa

Vous y trouverez des perles rares en 33 tours, des 45 tours single (10 inch ou maxis) mais également des CDs, des DVDs musicaux, des VHS, des cassettes, des posters, des livres, des t-shirts et d’autres articles de fan rares ou introuvables.

Pour célébrer cette 10e édition, DJ Blueprint et Steffou seront au rendez-vous au Rockhalcafe avec deux sets 100% vinyle entre midi et 17h00. De plus, le livre Quiet is the New Loud du groupe norvégien Kings of Convenience sera en vente à la foire en complément du concert le soir même au Club de la Rockhal.

Prix: 5,- € (sur place)
Horaires: De 11h00 à 16h00
Organisé en collaboration avec www.cd-boerse.net et la Commune de Sanem

Foire internationale aux disques

Dimanche, 26 avril 2015

Rockhal // Foyer & Rockhalcafe

Ouverture des portes à 11h00

Brillant et inclassable, The  Cat Empire est composé de six excellents musiciens capables de sauter d’un style à l’autre : jazz, reggae, funk, latino,  hip-hop, rock, ska et musique tzigane, ils savent tout  faire ! 

Le  groupe a sorti son 10^ème album il y a deux ans,  Steal The Light. Mélodique, rythmique, coloré  et chaotique, chaque morceau démontre que The Cat Empire  maîtrise particulièrement son style à part.

On se souvient de ce fameux concert de juin 1998 à Paris, au Bataclan, immortalisé sur le DVD « Once in a LIVEtime », ou encore le concert de 2000 au Roseland Ballroom de New York et, plus récemment, en 2014, le concert symphonique donné à l’Opera House de Boston.

Le 20 juillet 2015, ce passage événement de Dream Theater dans le cadre prestigieux et historique du Théâtre Antique d’Arles, s’inscrit directement dans la lignée de ces prestations mémorables.

Jamais Dream Theater ne s’est produit dans un tel lieu, où ces « vieilles pierres » chargées d’histoire vont à coup sûr permettre à la musique des Rois du « prog metal » (plus de 10 millions d’albums vendus dans le monde) d’entrer dans une autre dimension et, par là même, entrainer le public dans une expérience inoubliable.

Le genre de concert unique à ne rater sous aucun prétexte…

www.dreamtheater.net

www.facebook.com/dreamtheater

OUVERTURE DE LA BILLETTERIE : mardi 7 avril 2015 à 10H00 ici

Ondes positives garanties le 28 juin 2015 quand Soja se produiront à la Rockhal !

Aujourd’hui, Soja ont vendu plus de 200.000 albums, se sont produits en tête d’affiche dans plus de 20 pays, ont amassé presque 4 millions de fans sur Facebook et plus de 90 millions de visualisations sur YouTube. Le groupe a été en tournée avec le Dave Matthews Band, Incubus ou encore 311 et s’est produit aux plus grands festivals tels que le Bonnaroo, dans le Tennessee. Après la sortie de leur album « Strength To Survive » en 2012, les musiciens se sont mis à écrire leur cinquième album, « Amid the Noise and Haste », nommé aux GRAMMYS dans la catégorie du meilleur album de reggae. Pour Hemphill, qui signe responsable des textes, des accords et des mélodies, chaque chanson commence avec une expérience: rencontrer quelqu’un, lire quelque chose, faire une expérience qui semble pertinente pour la condition humaine.

Le but a été d’engager un maximum d’invités dont chacun travaillait sur une chanson avec laquelle il avait une relation légitime. L’album a été produit par Supa Dups (Bruno Mars, Eminem, Rihanna, John Legend) et enregistré en 2013 à Miami, aux Circle House Studios, ainsi qu’à Washington, aux Lion & Fox Studios. Damian « Jr. Gong » Marley apparaît sur « Your Song », une chanson gaie et pleine d’espoir qui demande aux fans de rappeler le groupe de sa motivation en l’accompagnant en chantant, tandis que « I Believe » associe Michael Franti à Nahko, offrant ainsi des pensées sur le contrôle de son propre destin.

Pour Soja, dont les concerts sont de véritables explosions d’énergie positive, la musique est un moyen d’aider les gens à créer des relations plus positives. En même temps, elle demande aux gens d’aller au fond d’eux-mêmes et de se demander ce qu’ils veulent faire de leur vie et comment ils veulent atteindre le bonheur. La musique de Soja parle de la quête du bonheur et de la paix que nous méritons tous, ainsi que du fait d’aider les autres à faire de même, ce que les chansons contenues sur « Amid the Noise and Haste » transmettent à merveille.

Site officiel :     www.sojamusic.com

Depuis la réunification du groupe originaire de Göteborg en 2007, il a été prudent en ne faisant pas trop d’espoir aux fans en ce qui concerne la sortie d’un nouvel album après 11 ans de séparation. Quand ils ont annoncé leur retour, l’équipe historique était de la partie, avec le leader Lindberg, les guitaristes Anders Björler et Martin Larsson, le bassiste Jonas Björler et le batteur Adrian Erlandsson. Mais pendant une assez longue période, ils n’ont même pas osé penser à l’enregistrement de nouveaux disques.

Le challenge de tirer les ficelles au studio a été conféré au producteur Fredrik Nordström qui avait collaboré avec At The Gates sur leur album « Terminal Spirit Disease » en 1994 et aussi une année plus tard sur le successeur très acclamé « Slaughter Of The Soul ». D’après Lindberg, l’album doit être jugé pour ses propres mérites et ne doit pas être comparé à ce que le groupe a fait auparavant. En effet, At The Gates ont toujours insisté sur le fait de faire des progrès avec chaque nouvelle publication. Ils ne font pas partie des groupes qui se contentent de répéter sans cesse ce qui a été couronné de succès dans le passé.

Avant toute chose, ceci est un disque qui démontre l’honnêteté et l’intégrité qui a toujours défini At the Gates, l’un des groupes les plus importants dans le genre du metal extrême depuis 25 ans. Depuis sa fondation en 1990, ce groupe ne s’est jamais trahi. Ils n’ont jamais essayé de courir après les tendances ou les comportements des fans, leur but a toujours été d’enregistrer ce qui leur a paru comme de la musique qui vient de l’intérieur.

Ainsi ils continuent d’être en tournée pour la promotion de leur album de retour très acclamé « At War With Reality »… vivez les pionniers du Melodic Death Metal suédois, At The Gates, en live ce 6 juin 2015 à la Rockhal.

Site officiel :     http://atthegates.se

Bonjour Robben ! Peux-tu nous dire s’il y a un concept spécifique dans ce nouvel album appelé « Into The Sun » ?

Bonjour Nathalie ! En y réfléchissant bien, je pense que le seul terme qui me vient à l’esprit est « moderne ». En écoutant ce que les gens font de nos jours, j’ai tendance à croire que beaucoup essaient de faire dans le « old school », alors que moi pas du tout. C’est d’ailleurs le seul effort particulier de cohérence que j’ai fait avec cet album. J’ai voulu qu’il soit moderne.

Tu avais dit de ton précédent album que tu voulais faire un album avec lequel tu puisses t’assoir avec une guitare et jouer pour quelqu’un. Est-ce toujours le cas ici ?

Je n’avais pas vraiment cette idée en tête ici. Pour moi l’écriture est un artisanat. Il demande beaucoup d’effort. Je n’avais pas de grande vision pour cet album. J’avais juste envie d’écrire mes morceaux comme bon me semble avec l’inspiration du moment. Cet album, c’est un Polaroid de mes efforts d’une année.

L’écriture est un artisanat pour toi. Tu écris donc de manière mécanique ?

J’ai décidé d’écrire des morceaux assez tôt en faisant du blues, mais je n’écrivais pas les paroles. Cela a vraiment été choix un matin. Je voulais vraiment écrire mes propres paroles et voir ce que cela donnait. Comme tout artisanat, cela peut devenir un art avec le temps, même si je pense ne pas être assez bon dans ce domaine pour appeler cela de l’art aujourd’hui. J’ai dû apprendre comment faire : j’ai lu des bouquins, j’ai demandé de l’aide, j’ai écouté ce que les paroliers écrivaient. Je n’ai jamais été parolier donc pour moi c’est un gros effort et même une forme de dévotion en fait. Pour mon album « A Day in Nashville », je l’ai écrit très vite, l’inspiration étant présente et la source fraiche. Je me sentais comme un enfant et son nouveau jouet. Aujourd’hui je suis heureux d’avoir découvert une nouvelle façon de m’exprimer. Avant je prenais ma guitare et c’est grâce à elle que j’exprimais mes sentiments les plus profonds. Avec les paroles, j’essaie de me rapprocher de cet idéal. Je peux désormais écrire pour quelqu’un d’autre, ce que je ne pouvais pas faire au départ. J’ai l’impression d’avoir trouvé une nouvelle chambre dans ma maison et là je suis en train de découvrir ce qui s’y passe.

L’écriture n’est donc pas un besoin chez toi, mais un choix. C’est assez surprenant comme approche !

Absolument ! D’ailleurs je n’écris pas que sur moi, mais sur les choses de la vie, qu’elles soient personnelles ou pas. Je suis dans ce métier depuis assez longtemps maintenant, j’ai les connaissances pour écrire des morceaux, mais c’est vrai que de ne pas écrire les paroles, cela me frustrait. Tu es toujours dépendant de quelqu’un d’autre.

Tu as invité pas mal de monde à jouer avec toi sur cet album. Comment se sont faits tes choix de « guests » ? 

Il y en a une partie qui m’a été proposée par mon management ou mon label. Il y a donc eu des choix très logique comme pour Keb’ Mo’ ou Warren Haynes (Gov’t Mule). J’avais très envie de bosser avec Sonny Landreth et j’ai profité de l’occasion pour l’appeler. J’avais le morceau idéal pour Robert Randolph et je l’ai appelé pour ça aussi du coup. ZZ Ward et moi, on a le même manager et quant à Tyler Bryant, c’est le petit jeune de l’album. Il a 23 ans et c’est encore un bébé, mais c’était intéressant pour moi de l’impliquer, comme c’est la nouvelle génération de guitaristes. 

Est-ce que la notion de « Guitar Hero » a de l’importance pour toi ? 

Je pense que c’est une sorte de slogan. J’ai eu pas mal de « Guitar Hero » comme idoles dans ma jeunesse. Je comprends son utilisation mais je ne l’appliquerais pas à moi.

Quels sont tes « Guitar Hero » ou quels sont les artistes que tu admires ? 

J’en ai beaucoup dans ma vie : il y a eu BB King ou encore John Coltrane. Aujourd’hui je suis aussi inspiré par d’autres types d’artistes et pas nécessairement des guitaristes en fait. J’aime beaucoup Maurice Ravel par exemple. J’adore ses orchestrations et ses mélodies et elles m’inspirent tous les jours.

Tu as aussi dit que de toutes les expériences professionnelles que tu as eues dans ta vie, celle qui t’a apporté le plus c’était de jouer avec Joni Mitchell. Pourquoi ? 

J’ai travaillé avec elle pendant deux ans et grâce à elle j’ai énormément appris. Je n’avais que 22 ans et elle était déjà une musicienne très sophistiquée. A l’époque je la considérais comme une déesse vivante. J’ai eu la chance d’être à ses côtés au meilleur moment de sa carrière : elle était heureuse, belle et pas du tout aigrie, comme elle l’a été plus tard.

Tu as aussi travaillé avec George Harrison. Comment était-ce ? 

C’était à un moment intéressant en 1974, malheureusement la drogue jouait un très grand rôle. C’était un mec bien et il a toujours été gentil avec moi, alors que j’étais très jeune et très inexpérimenté. Je suis parti avec lui sur un des seules tournées qu’il n’ait jamais faite. Mais comme je disais, il y avait trop de drogue partout.

As-tu eu des soucis avec la drogue ? 

J’en ai pris comme tout le monde, mais ça n’a jamais été une vraie addiction, comme pour beaucoup de mes acolytes. Je me souviens notamment avoir pris de la cocaïne, mais c’était pour le fun, pas pour la défonce.

Quelle relation as-tu avec tes guitares ? 

J’aime beaucoup mes guitares mais je ne leur parle pas par exemple. J’en ai une grande variété mais je les considère plus comme des outils de travail. Il y en a deux ou trois auxquelles je suis vraiment attaché. Mais attaché comme à un chien par exemple, pas comme à une femme ! (rires !)

Te souviens-tu de ta première guitare ? 

Pas vraiment. C’était une guitare japonaise pas chère que mon père m’avait achetée pour Noël. Je devais avoir 13 ans.

Pour finir à Karma nous avons une question rituelle : préfères-tu les Beatles ou les Rolling Stones? Et pourquoi ?  

Les Beatles pour la simple et bonne raison qu’il y avait beaucoup plus de talents différents dans ce groupe. Ils étaient doués en mélodies et leurs paroles étaient excellentes. Paul McCartney et John Lennon sont pour moi les meilleurs mélodistes de tous les temps.

Propos recueillis par : Nathalie Barbosa

Il sera en concert en France le 26 juin 2015 à Carpentras au festival Auzon Le Blues.